sábado, 3 de maio de 2025

A Dimensão Métrico-Temporal na Música

A DIMENSÃO MÉTRICO-TEMPORAL NA MÚSICA

Um estudo conceitual sobre o compasso e suas ramificações teóricas

1. FUNDAMENTAÇÃO ONTOLÓGICA DO COMPASSO MUSICAL

A conceptualização do compasso como fundamento organizacional da temporalidade musical representa um dos pilares estruturais da teoria musical ocidental. Paschoal Bona, em seu "Método Completo de Divisão Musical", oferece uma definição basilar quando afirma que o "compasso é a divisão da música em tempos iguais (pequenas partes de duração). Às vezes variáveis. É medida métrica e rítmica. São 'simples ou compostos', existindo ainda, os 'mixtos' e 'grupos irregulares'" (BONA, 1996, p.6). Esta formulação, embora elementar, abarca os princípios fundamentais da segmentação temporal que caracteriza a notação musical ocidental desde o século XVII.

Exemplo: Compassos em Notação Musical

Uma análise comparativa da literatura musicológica revela convergências epistemológicas significativas nesta conceptualização. Autores como Priolli, Arcanjo, Chediak, Mascarenhas e Marcheti apresentam definições que, apesar de variações terminológicas, conservam a essência do compasso como unidade métrica de organização temporal. O paradigma definicional predominante está ancorado na compreensão do compasso enquanto dispositivo de quantificação e regularização do fluxo temporal musical.

É particularmente relevante observar as discrepâncias na abordagem lexicográfica deste conceito. O Dicionário Grove, referência incontornável na musicologia contemporânea, apresenta uma peculiaridade metodológica ao não oferecer uma definição direta do compasso per se, optando por contextualizar elementos correlatos como "barra" e "fórmula de compasso" sem estabelecer previamente o constructo fundamental. O Dicionário de Música de Isaacs incorre em imprecisão conceitual ao definir o compasso meramente como agrupamentos numéricos regulares, negligenciando sua dimensão hierárquica acentual e sua função estruturante no discurso musical.

Pozzoli apresenta a conceptualização mais complexa, embora sua abordagem sacrifique a clareza didática em favor da completude teórica – característica que evidencia a tensão permanente entre rigor conceitual e acessibilidade pedagógica na literatura teórico-musical.

2. TAXONOMIA DO COMPASSO: CATEGORIZAÇÕES E HIERARQUIAS

2.1. Compasso Simples, Composto e Misto: Fundamentos Morfológicos

A categorização dos compassos em simples, compostos e mistos revela uma sistemática ontológica baseada em critérios de divisibilidade interna. Conforme Priolli (1987, p.21), "compassos simples são aqueles cuja unidade de tempo é representada por uma figura divisível por 2. Tais figuras são chamadas simples, isto é, são figuras não pontuadas". Esta definição estabelece um princípio matemático-musical fundamentado na divisão binária como critério taxonômico primário.

Compasso Simples (2/4)
Compasso Composto (6/8)

Em contraposição dialética, "compassos compostos são aqueles cujos tempos têm divisão ternária, isto é, a unidade de tempo é preenchida por uma figura pontuada" (PRIOLLI, 1987, p.94). A presença do ponto de aumento como significante da divisão ternária constitui um elemento semiótico fundamental na distinção entre estes paradigmas métricos.

A literatura consultada demonstra notável consenso nestas categorizações dicotômicas, com exceção significativa de Bona, que abstém-se de defini-las explicitamente – omissão que pode ser interpretada como pressuposto de conhecimento prévio ou como lacuna epistemológica em sua obra.

A categoria de compassos mistos, menos abordada na literatura convencional, é definida por Marchetti (2005, p.27) como "aqueles compassos que se formam pela união de dois ou mais diferentes compassos, cujas unidades de tempo são iguais, porém distintos na quantidade". Marchetti ainda acrescenta um fundamento pragmático: "A razão de se usar compassos mistos é evitar seguidas mudanças de fórmula de compasso". Esta taxonomia é corroborada apenas por Dourado, que adota a nomenclatura alternativa "compasso ímpar" – variação terminológica que exemplifica a inconsistência nomenclatural que ainda persiste na musicologia brasileira.

Compasso Misto (5/4 = 3/4 + 2/4)

2.2. Especificidades Morfológicas: Acéfalo, Tético e Anacruse

A fenomenologia do início musical recebe categorizações específicas que ultrapassam a mera classificação métrica. Marchetti (2005, p.30) estabelece que "chamamos de acéfalo (sem cabeça) o compasso em cujo primeiro tempo ou na sua primeira metade há uma pausa. Se o compasso possuir articulação no primeiro tempo ou em sua primeira metade, dizemos que se trata de um compasso tético". Esta definição fundamenta-se na presença ou ausência de articulação sonora no momento inicial do ciclo métrico.

Início Tético
Início Acéfalo

O fenômeno da anacruse, por sua vez, representa uma complexidade estrutural adicional: "Por vezes o compasso inicial de uma música encontra-se 'incompleto', ou seja, faltando tempos. Na verdade os tempos que faltam a esse compasso deverão aparecer no final do trecho musical. Esse compasso inicial, o qual não é contado, é chamado de anacruse ou levare" (MARCHETTI, 2005, p.30). Esta conceituação evidencia a natureza cíclica do pensamento métrico, onde o "incompleto" inicial encontra sua completude na finalização da estrutura musical.

Anacruse
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É epistemologicamente significativo que apenas Arcanjo e Marchetti abordem estas especificidades terminológicas em seus compêndios teóricos. Arcanjo, em seu "Lições Elementares de Teoria Musical", adota terminologia parcialmente divergente, utilizando "compassos protéticos ou anacrusticos" para anacruse e "decapitado" para acéfalo. Estas variações nomenclaturais revelam a ausência de padronização terminológica no campo, fenômeno que exemplifica o estado ainda em desenvolvimento da musicologia brasileira como disciplina autônoma.

3. FENÔMENOS RÍTMICO-MÉTRICOS CORRELATOS

3.1. Contratempo e Síncope: Dialética da Acentuação

A compreensão do contratempo e da síncope como fenômenos de deslocamento acentual constitui um aspecto fundamental da temporalidade musical. Priolli (1987, p.48-49) estabelece uma distinção funcional precisa: "Se uma nota é executada em tempo fraco ou parte fraca de tempo for prolongada ao tempo forte ou parte forte do tempo seguinte, teremos o que se chama – síncope. [...] Dá-se o nome de contratempo às notas executadas em tempo fraco ou parte fraca de tempo, ficando os tempos fortes ou partes fortes dos tempos preenchidos por pausas".

Síncope
Contratempo

Esta diferenciação, ancorada na presença da pausa como elemento distintivo, representa o consenso predominante entre os teóricos. Contudo, verificam-se divergências significativas na literatura. Roy Bennett, em "Elementos Básicos da Música", apresenta uma visão integradora ao não diferenciar categoricamente os fenômenos: "quando usa a síncope, o compositor está alterando, de certo modo, a esperada acentuação nos tempos fortes do compasso, o que ele pode fazer ou usando pausas em tempos fortes, ou acentuando os tempos fracos" (BENNETT, 1990, p.31).

O Dicionário Grove de Música manifesta imprecisão conceitual ao definir contratempo como "qualquer acento num padrão rítmico regular, exceto sobre o primeiro tempo (o tempo forte)", sem especificar claramente a necessidade da pausa. A definição de síncope como "o deslocamento regular de cada tempo em padrão cadenciado sempre no mesmo valor à frente ou atrás de sua posição normal no compasso" generaliza impropriamente a síncope regular para todo o fenômeno sincopativo.

Problemática adicional emerge na definição proposta por Isaacs, que insere uma dimensão histórico-cultural discutível ao afirmar que a "aparição [da síncope] deriva diretamente do frequente uso desta na música africana". Tal afirmação simplifica excessivamente o complexo processo de desenvolvimento da síncope na música ocidental, presente desde a Idade Média nas práticas contrapontísticas europeias, subestimando a multiculturalidade dos processos rítmicos.

É significativo que apenas Marchetti, Priolli e Arcanjo estabeleçam distinções entre síncope e contratempo regulares e irregulares, evidenciando um refinamento taxonômico necessário para a compreensão plena destes fenômenos.

3.2. Agógica: Fenomenologia da Flexibilidade Temporal

O termo "agógica", derivado do grego "agogé" (condução), representa um fenômeno de micromodulação temporal frequentemente negligenciado na literatura teórica básica. Conforme define o Dicionário Grove, trata-se de "um tipo de acentuação que se baseia antes na duração (um certo repouso sobre a nota a fim de enfatizá-la) do que na intensidade, [...]. O termo 'agógica', às vezes é usado para designar qualquer tipo de desvio em relação ao rigor rítmico".

Agógica (Variações Expressivas de Tempo)

A ausência deste conceito nos compêndios de teoria musical básica evidencia uma lacuna significativa no tratamento de elementos expressivos fundamentais na performance musical. Esta lacuna demonstra a persistente dicotomia entre teoria normativa e prática interpretativa na pedagogia musical tradicional.

Exceção notável encontra-se na obra "Introducción al Estudio de la Música" do musicólogo espanhol Mantecón, que apresenta uma perspectiva mais abrangente ao compreender a agógica como fenômeno multidimensional que combina intensidade e duração: "En estos sonidos de igual duración temporal, el sentido del ritmo los distingue porque atribuye a uno más fuerza que al otro; fuerza que se realiza no sólo intensificando su volumen sonoro, sino también prolongando insensiblemente el segundo". Esta conceptualização integra as dimensões dinâmica e temporal: "De este modo se habrá producido una diferencia de densidad entre ambos, de donde ressultará que el primero, con relación al segundo, es más ligero, más débil, mientras que éste aparecerá como más pesado, más forte".

3.3. Métrica: Fundamentos Estruturais da Organização Temporal

A métrica, como fenômeno macro-organizacional do tempo musical, transcende o compasso enquanto unidade isolada, estabelecendo os parâmetros fundamentais da experiência temporal na música. O Dicionário Grove oferece uma definição abrangente: "A organização de notas numa composição ou passagem, no que diz respeito ao andamento de tal forma que uma pulsação regular feita de tempos possa ser percebida e a duração de cada nota medida em termos nesses tempos. Os tempos são agrupados regularmente em unidades maiores, chamadas compassos. A métrica é identificada no início de uma composição, ou em qualquer ponto onde mude, através de uma fórmula de compasso".

Hierarquia Métrica

A ausência de discussões aprofundadas sobre métrica, hemíola e outros conceitos correlatos na literatura teórica padrão constitui uma deficiência epistemológica significativa. Esta lacuna reflete a prevalência histórica de uma abordagem notacional-prescritiva sobre uma compreensão fenomenológica-descritiva da experiência musical temporal.

4. CONSIDERAÇÕES FINAIS: IMPLICAÇÕES PEDAGÓGICAS E MUSICOLÓGICAS

A análise comparativa da literatura musicológica referente aos fenômenos métrico-temporais revela tanto convergências conceituais quanto inconsistências terminológicas significativas. Estas inconsistências não representam meramente divergências semânticas, mas refletem perspectivas epistemológicas distintas sobre a natureza da temporalidade musical.

Do ponto de vista pedagógico, evidencia-se a necessidade de uma abordagem mais integrada que transcenda a mera categorização normativa para contemplar as dimensões performáticas, cognitivas e culturais dos fenômenos métrico-temporais. A persistente dicotomia entre teoria e prática na educação musical poderia ser superada através de uma perspectiva que reconheça a multidimensionalidade da experiência temporal na música.

No âmbito musicológico, observa-se a urgência de maior padronização terminológica e aprofundamento conceitual, especialmente no contexto brasileiro, onde a disciplina ainda busca consolidar seu corpus teórico autônomo. A integração de perspectivas contemporâneas da neurociência cognitiva e da etnomusicologia poderia enriquecer significativamente esta discussão, proporcionando um entendimento mais abrangente dos fenômenos métrico-temporais em diversos contextos culturais e estilísticos.

O desenvolvimento de uma compreensão mais sofisticada destes fenômenos fundamentais não apenas enriqueceria o discurso teórico, mas potencialmente transformaria as práticas pedagógicas e interpretativas, contribuindo para uma experiência musical mais consciente, expressiva e culturalmente informada.

© 2023 - A Dimensão Métrico-Temporal na Música: Um Estudo Conceitual

terça-feira, 29 de abril de 2025

Chanson Chanson: Linguagem e Desenvolvimento

Chanson: Linguagem e Desenvolvimento

Definição da Palavra "Chanson"

Segundo Howard Brown:

  • Chanson (do francês, canção) designa qualquer composição musical com texto francês.
  • O termo associa-se historicamente à canção monofônica dos trovadores e troveiros na Idade Média, às canções cortesãs do final do séc. XVI e XVII, e mesmo às canções populares dos séc. XVII a XIX. Especificamente, é empregado para as canções polifônicas dos séc. XV e XVI, cujos poemas não eram baseados nas formes fixes.

Segundo Michèle Aquien:

  • A palavra chanson (derivada do latim arcaico e pós-clássico cantio, contrastando com o clássico cantus = canto) é antiga e refere-se a uma peça de versos simples, destinada ao canto, frequentemente com acompanhamento instrumental.

Tipos de Chanson ao Longo dos Séculos

As primeiras canções em língua vernácula eram majoritariamente monódicas (uma única linha melódica), facilitando a memorização e a transmissão oral.

Século XII

As chansons de geste (canções de feitos ou façanhas) integravam o repertório dos menestréis, responsáveis pelo entretenimento musical da corte em diversas ocasiões (caçadas, festas, banquetes). Essas canções mesclavam lendas e fatos reais, focando na temática dos cavaleiros da época carolíngia.

Século XIII

A poesia épica gradualmente cedeu espaço ao florescimento da poesia lírica, um estilo mais livre e forma de expressão primordial dos trovadores (Sul da França) e troveiros (Norte da França).

Estes desenvolveram gêneros lírico-narrativos como as pastourelles (pastorelas), as aubes (albas, canções da alvorada) e as chansons de toile (canções de tecelagem, frequentemente cantadas por mulheres durante o trabalho, expressando situações amorosas).

Contudo, a forma poética mais emblemática entre trovadores e troveiros era a celebração do amor cortês, denominada cansó (em occitano) ou cantiga de amor.

Século XIV: As Formes Fixes

Emergem as formes fixes (formas fixas) – rondeau, ballade e virelai – originadas, em parte, de danças populares. Essas estruturas poético-musicais dominaram a composição de canções seculares.

  • Rondeau: Estrutura comum de 8 versos sobre duas rimas, com refrão recorrente. Esquema: ABaAabAB (letras maiúsculas indicam repetição do refrão, texto e música).
  • Ballade: Geralmente 3 estrofes, com 7 ou 8 linhas cada, frequentemente com um refrão no final de cada estrofe. Estrutura comum de estrofe: aabC ou aabc.
  • Virelai: Caracterizado por um refrão que enquadra estrofes internas (couplets). Estrutura: ABbaA (onde 'A' é o refrão, 'b' a estrofe com música diferente e 'a' a estrofe com a música do refrão).

Guillaume de Machaut foi o maior compositor deste período, mestre das formes fixes e da polifonia. Embora seguisse a lírica trovadoresca com temas de amor cortês, Machaut expandiu seu universo temático, incorporando citações mitológicas (ex: ballade "Je puis trop bien") e combinando elementos pagãos e sacros (ex: "Trop plus et belle"), refletindo uma dualidade profano-secular característica.

A Chanson da Borgonha (Séc. XV)

Os sucessores de Machaut na arte polifônica, notadamente Guillaume Dufay e Gilles Binchois, foram figuras centrais da Escola da Borgonha.

Guillaume Dufay

  • Dedicou-se aos rondeaux, explorando variados humores poéticos (da celebração à insatisfação, do amor ao obsceno).
  • Experimentou com o número de vozes textuais; frequentemente, apenas a voz superior (Superius) possuía texto (estilo tiple).
  • Quando todas as vozes tinham texto, o Superius mantinha proeminência, com o Contratenor ganhando importância junto às demais vozes, antecipando a textura da chanson polifônica do séc. XVI.
  • Desenvolveu a chanson-motet (Ars Combinatoria), combinando uma chanson profana (texto francês nas vozes superiores) com um motet sacro (texto latino na voz grave, geralmente o Tenor).

Gilles Binchois

  • Serviu à corte da Borgonha após 1430. Suas chansons, predominantemente rondeaux, exibiam um caráter melancólico, musicando textos de poetas da corte ligados à "segunda retórica".
  • Apresentavam relativa simplicidade, ritmos ternários e vozes inferiores com função primordial de sustentação harmônica e melódica para o Superius.
  • Estas características, embora mais contidas, dialogam com a complexidade rítmica e notacional da Ars Subtilior (final do séc. XIV), um estilo contra o qual os compositores de meados do séc. XV (incluindo Dufay e o próprio Binchois em sua maturidade) reagiriam, buscando maior clareza e naturalidade. As obras da Ars Subtilior eram tipicamente em formes fixes e notáveis pela sincopação, polirritmia e notação complexa.

A Frottola (Itália, final Séc. XV - início Séc. XVI)

A Frottola floresceu em Mântua, sob o mecenato da Marquesa Isabella d'Este. Destinada a um público culto, caracterizava-se pela:

  • Simplicidade melódica e contrapontística.
  • Extensão vocal restrita e repetições frequentes.
  • Frases bem definidas, com melodia principal no Superius.
  • Apoio harmônico predominantemente vertical (homofônico) das outras vozes.
  • Grande atenção à prosódia e declamação do texto.

A frottola rapidamente suplantou as formes fixes na Itália devido à sua flexibilidade em musicar diversas formas poéticas (como Ode e Soneto). Suas derivações incluem a Canzone, Villota, Villanesca e o Villancico espanhol. Compositores notáveis: Bartolomeu Tromboncino, Marco Cara, Juan del Encina (na Espanha).

Chanson Polifônica (Final Séc. XV - Séc. XVI)

Desenvolveu-se a partir do final do séc. XV, com o emprego de novas técnicas composicionais.

  • As formes fixes entraram em declínio, dando lugar a estruturas mais livres.
  • A textura da chanson tornou-se mais densa, aproximando-se da complexidade do motet contemporâneo.
  • A chanson a 4 vozes tornou-se padrão, substituindo a de 3 vozes. As vozes intermediárias (Contratenor Altus e Contratenor Bassus, ou simplesmente Altus e Bassus, junto com Superius e Tenor) adquiriram importância equivalente, criando uma textura mais equilibrada.

Josquin des Prez

Josquin foi fundamental na transformação da chanson:

"Libertou-se dos invariáveis esquemas de repetição das formas fixas. Desta forma, transformou a chanson de um gênero limitado por sua textura convencional de contínuas camadas de som para outro capaz de muito mais variedade em técnicas e texturas que pudessem expressar mais humores e matizes.”

(Adaptado de BROWN, 1976, p.143)

Enquanto alguns textos da geração de Josquin ainda mantinham certa rigidez formal, a poesia do início do séc. XVI, influenciada por poetas como Clément Marot, buscou maior liberdade. Marot (filho de um dos "grandes retóricos" que já questionavam as formes fixes) promoveu uma linguagem mais direta e coloquial, usando estrofes curtas e explorando a alternância entre rimas graves (acento tônico na penúltima sílaba) e agudas (acento tônico na última sílaba).

Chanson Parisiense (Séc. XVI)

Contexto Social e Cultural

  • No séc. XV e início do XVI, era difícil distinguir uma composição musical "francesa" da escola franco-flamenga dominante. Compositores da primeira metade do séc. XVI buscaram um modelo de chanson mais claramente nacional.
  • A vitória francesa na Guerra dos Cem Anos (1453) fomentou um desejo por identidade nacional.
  • O grupo poético La Pléiade (liderado por Pierre de Ronsard e Joachim Du Bellay) visava criar uma escola literária genuinamente francesa, inspirada nas línguas clássicas mas valorizando o vernáculo.

Impressão Musical

  • A invenção e difusão da impressão musical (por editores como Pierre Attaingnant em Paris) foi decisiva para a popularização da chanson.
  • Mais que um avanço tecnológico, a impressão musical surgiu num momento de expansão humanista e consolidação de identidades regionais e nacionais.
  • Tornou-se um mecanismo crucial para preservação e propagação cultural, marcando uma oposição às antigas formes fixes e ao estilo contrapontístico complexo da chanson franco-flamenga anterior.

Características Musicais

A nova chanson parisiense, desenvolvida a partir de c. 1530, representou uma síntese:

  • Combinava a tradição polifônica franco-flamenga com a simplicidade e clareza da frottola italiana.
  • Evitava complexidade excessiva: esquemas rítmicos intrincados e contraponto denso foram abandonados.
  • Privilegiava texturas homofônicas ou de acordes.
  • Melismas eram raros; preferia-se frases curtas e bem definidas.
  • Declamacão do texto predominantemente silábica, com notas repetidas.
  • Imitação contrapontística usada de forma restrita e breve.
  • Esquemas de rima variados, refletindo inovação e distanciamento dos modelos medievais.
  • Uma característica marcante, especialmente em chansons narrativas ou alegres, era a célula rítmica inicial dactílica (longo-breve-breve), frequentemente representada como ♪♫♫, baseada em pés métricos da poesia clássica.

Descrições onomatopaicas eram frequentes, especialmente nas obras de Janequin.

Clément Janequin

Clément Janequin é uma figura central da chanson parisiense da primeira metade do séc. XVI. Suas cerca de 286 chansons demonstram uma habilidade única em capturar sons do cotidiano e incorporá-los à música.

  • Recriava ambientes sonoros usando vozes com fonemas e sílabas onomatopaicas, tratando o "ruído" como elemento musical.
  • Sua música possui forte caráter descritivo ou programático. A preocupação com a forma e linhas melódicas tradicionais era secundária ao objetivo de pintar um quadro sonoro.
  • Pelo uso constante de onomatopeias e descrição sonora, Janequin pode ser considerado um precursor da música programática e do uso de motivos recorrentes (semelhante ao leitmotiv posterior), técnicas fundamentais no desenvolvimento da música instrumental e da música para cinema.

Análise: Le chant des oyseaux (“O canto dos pássaros”)

Esta é uma das composições mais famosas de Janequin, exemplificando a aproximação entre música e oralidade sonora através da onomatopeia (ex: "trrr", "vrrr", "frian", "teo", "coqui").

Versão de 1528 (Pierre Attaingnant, Paris):

Esta versão apresenta uma estrutura que remete ao virelai, com um refrão principal ("Réveillez-vous coeurs endormis" - Despertai, corações adormecidos) que retorna no final e refrões secundários ou transições após cada couplet (estrofe).

Seção Duração Aprox. Conteúdo Principal
Refrão A ~15 ms "Réveillez-vous..."
Couplet 1 ~22 ms Pássaros em geral ("A ce premier jour...")
Refrão A1 (var.) ~14 ms Reiteração / Transição
Couplet 2 ~45 ms Alouette (cotovia), Melro, Étourneau (estorninho) ("Vous orrez à mon avis...")
Refrão A2 (var.) ~14 ms Reiteração / Transição ("Rite et gaudir...")
Couplet 3 ~43 ms Rouxinol ("Rossignol du bois joli...") + Onomatopeias
Refrão A3 (var.) ~14 ms Reiteração / Transição ("Fuyez regrets...")
Couplet 4 ~40 ms Cuco ("Arrière maître cocu...") + Transição final ("Par trahison")
Refrão A Final ~16 ms "Réveillez-vous..."

Nota: "ms" provavelmente se refere a compassos (mesures) ou unidades de tempo relativas, não milissegundos.

Versão de 1537 (Pierre Attaingnant):

Esta versão é mais concisa. Agrupa os couplets descritivos em uma única grande seção central, mantendo o refrão principal no início e no fim.

Seção Duração Aprox. Conteúdo Principal
Refrão A ~15 ms "Réveillez-vous coeurs endormis"
Único Couplet (Bloco) ~82 ms Couplet introdutório ("Les oiseaux quant sont ravis...") + Onomatopeias e interjeições dos quatro couplets originais + Transição final ("Par trahison...")
Refrão A Final ~16 ms "Réveillez-vous coeurs endormis"

Referências Bibliográficas

BARBIER, Jacques. LE CHANT DES OISEAUX - Deux versions. Editora A COEUR JOIE N° 6024.

BROWN, Howard Mayer. Music in the Renaissance. Prentice Hall History of Music Series. Prentice Hall, 1976. [Nota: A citação no texto parece referir-se a esta obra ou uma tradução dela].

Janequin, Clement. Le Chant des Oyseaux. Attaingnant, 1529. (Partitura disponível em CPDL e outras fontes).

Janequin, Clement. Le Chant des Oyseaux. Versões de 1528 e 1537. (Gravações e análises disponíveis online, ex: YouTube).

MARCHETTI, Luiz. "A 'chanson'- uma manifestação musical tipicamente francesa". Artigo disponível em: [Nota: Verificar link e data de acesso se necessário para citação formal].

MICHELS, Ulrich. Atlas da Música V.1. Editora Gradiva, 2003.

REESE, Gustave. Music in the Renaissance. W. W. Norton & Company, Revised Edition, 1959. [Nota: A citação pode referir-se à edição em espanhol: La Música en el Renacimiento, Alianza, 1988/1995].

SADIE, Stanley (Ed.). The New Grove Dictionary of Music and Musicians. Macmillan Publishers, 1980 (ou edições posteriores). [Nota: A citação pode referir-se à tradução/adaptação brasileira: Dicionário Grove de Música, Editora Jorge Zahar, 1994].